Anna Galore Le blog

Belle expo à tous.


Miss You

Mon coup de coeur du jour !

Miss You

Voici pour le plaisir quelques unes des toiles signées Matheus Lopes, un artiste peintre qui a décidé de ne pas choisir entre street art, poésie, illustrations pour enfants, collages et fantaisie.

J’aime beaucoup !

Miss You

Des arbres, de l'eau, des couleurs et des ombres, autant de douceurs au coeur desquelles se fondre tout doucement !

Miss You

Coup de cœur pour le travail de Roi James, un peintre dont les ambiances sont très à l’image des soirs d’automne, quand les feux de fin d’après midi se fondent en des brumes foncées pour tendre vers la nuit.

Miss You

… parmi bien d’autres, à commencer par la beauté et la douceur de vivre de cette ville provençale.

Deux expos bien tentantes ! Riches d'ombres et de lumières, de couleurs et d'histoires.

Belle escapade aixoise !

Miss You

C'est à Sète et c'est à voir !!

Le cubisme fut sa religion unique. Et non pas une période, un passage, comme pour la majorité des peintres associés à ce mouvement fondateur de la peinture moderne.

Quand Picasso et Braque l’inventent, en 1907, Juan Gris est illustrateur de presse, un gagne-pain. Installé au Bateau-Lavoir à Paris, pépinière de l’avant-garde, ce jeune rapin espagnol de vingt ans assiste à la genèse des Demoiselles d’Avignon de Picasso. Il rejoint le cubisme en 1910 et le décline jusqu’à sa mort, précoce, en 1927.

Paysage à Céret, 1913
(source)

Juan Gris n’a laissé que 600 toiles, très dispersées. Ce qui explique sa rareté dans les musées, collections permanentes et rétrospectives. Réunir une cinquantaine d’œuvres significatives (toiles et dessins) n’est donc pas à la portée de tous les conservateurs.

« La guitarra », 1918
(source)

Maïthé Vallès-Bled relève ce défi au musée Paul-Valéry de Sète.

Non sans risque : l’exposition reste d’un format modeste, et le cubisme n’a jamais conquis les foules.

Trop froid, trop théorique. Il permet pourtant à la peinture de franchir un cap décisif ébauché par Cézanne.

« Portrait de Picasso »
(source)





"Il crée sa propre syntaxe plastique"

Maïthé Vallès-Bled : Juan Gris pratique un cubisme tempéré. Quand Picasso et Braque fragmentent radicalement le sujet, quand Duchamp le pulvérise et l’atomise, Juan Gris préserve une lisibilité, adoucissant les ruptures du “cubisme synthétique” dont il devient un chef de file.

Ses portraits, Arlequin assis, Le Tourangeau, Joueur de guitare, gardent une verve figurative.

Le titre de l’exposition, Rimes de la forme et de la couleur, indique son attachement à une poésie picturale, à des valeurs finalement classiques.

Aux coloris austères (marrons, bistres) des précurseurs du cubisme, Juan Gris préfère des tons vifs, télescopant des verts amande, des bleus lavande, des jaunes paille. Verre et journal (1916), un des plus beaux tableaux de l’exposition, est bien un hymne aux formes et aux couleurs.

« Verre, guitare et compotier », 1918
(source)

"Juan Gris crée sa propre syntaxe plastique et n’a de cesse de chercher à atteindre la perfection et l’équilibre entre la référence au réel et une architecture de l’œuvre ayant ses propres lois, son propre langage", analyse Maïthé Vallès-Bled.

Le peintre développe ce langage à travers des combinaisons de natures mortes (compotiers, cruches, cafetières, carafes, livres, pipes...) méticuleusement mises en scène, parfois un peu répétitives.

« Paysage avec maisons à Céret », 1913
(source)

Juan Gris souligne le silence des objets comme Chirico le fait avec ses paysages métaphysiques. Leur univers nait d’un imaginaire, rarement de la réalité. Magritte s’annonce aussi à travers l’étrangeté de certains portraits.

“L’homme au café”, 1914
(source)

Sur la fin, certaines de ces figures prennent des rondeurs géométriques : Le Tambourinaïre, Mère et enfant s’épanouissent en douceurs, loin du cubisme tranchant des origines.





Miss You

Après son étape parisienne au Grand Palais, et avec une escale à l’Abbaye de Fontfroide (où se trouve la plus belle des réalisations décoratives de Redon), l'exposition « Odilon Redon. Prince du rêve » est présentée au Musée Fabre de Montpellier jusqu’au 16 octobre 2011.

Outre la découverte ou des retrouvailles avec le travail de Odilon Redon, artiste aux inspirations multiples, cette exposition permet de voir sous un autre angle une des nombreuses merveilles architecturales de notre pays et l’un de mes lieux préférés parmi tous : l’abbaye cistercienne de Fontfroide (dont je vous avais un peu parlé ici et là).








Redon à l'abbaye de Fontfroide

C'est au cours de l'automne 1908 que Redon découvre pour la première fois l'abbaye de Fontfroide, située au pied des Corbières, à une dizaine de kilomètres de Narbonne. Il y est invité par le propriétaire des lieux, son ami Gustave Fayet (1865-1925), un peintre originaire du sud de la France qui cultive ses terres viticoles et collectionne des oeuvres d'artistes de son temps, en particulier de Gauguin et d'Odilon Redon.






Fayet a acquis en 1908 l'abbaye cistercienne de Fontfroide, fondée à la fin du XIe siècle et laissée à l'abandon depuis 1901. Avec son épouse Madeleine, il entreprend de grandes restaurations et décorations, faisant appel à Redon en 1910 pour la réalisation de panneaux destinés à l'ancien dortoir des moines transformé en bibliothèque. […]








Sous les voutes de Fontfroide

[…] C'est lorsque Redon séjourne pour la seconde fois dans l'abbaye, à Pâques 1910, qu'il s'entend avec Fayet pour décorer la grande pièce carrée de près de dix mètres de côté. Deux grands panneaux de 6,5 mètres de large et 2 mètres de haut, divisés en trois parties, se feront face sur les murs latéraux, tandis qu'au-dessus de la porte sera placé un panneau d'un mètre de large.







Redon a toute latitude pour le choix du sujet.

Il rentre à Paris et commence la réalisation du premier des grands panneaux, Le Jour, dont il vient superviser l'installation à la fin de l'été 1910 avant de commencer sur place le second panneau, La Nuit.

Il décrit dans une lettre à Bonger l'atmosphère dans laquelle ces travaux se déroulent :





Après avoir terminé, in situ, Le Jour, Redon travaille donc à La Nuit, qu'il terminera à l'inverse à Paris et ne sera installé qu'à l'automne 1911.






Le Jour, La Nuit, Le Silence

Dans leur opposition thématique, comme dans les sujets représentés, les deux panneaux peuvent être perçus comme une synthèse de l'art de Redon. Le jaune éclatant qui domine Le Jour, l'exubérance des fleurs qui envahissent les parties latérales sont caractéristiques du Redon de la seconde période, celui qui se passionne pour la couleur. […]







[…] La Nuit, quant à elle, ressuscite des formes souvent présentes dans les Noirs des années 1870-1880 : ange déchu, têtes ailées, femmes voilées… Mais ces visions semblent plus douces, moins inquiétantes que les créatures d'autrefois.






Aux visages souriants ou paisibles, Redon a donné les traits des habitants de Fontfroide et de leurs amis : les deux femmes voilées sont Madeleine Fayet et sa fille Simone, on reconnaît dans les feu-follets papillonnant à droite de l'arbre les profils de Camille Redon, de Gustave Fayet et de ses deux fils, Léon et Antoine… […]

[…] Mais qu'il s'agisse du Jour ou de La Nuit, de l'époque des Noirs ou de la période colorée, une même constante unit tout l'oeuvre de Redon : le caractère mystérieux et onirique de ses créations. Cette atmosphère est en adéquation parfaite avec le contenu de la bibliothèque de l'abbaye de Fontfroide qui regorge d'ouvrages traitant d'occultisme et d'ésotérisme, domaines qui passionnent les intellectuels français à la fin du XIXe siècle.







Comme un ultime clin d'oeil aux obsessions de Redon et aux caractéristiques du lieu, le dernier panneau, sous lequel on passe en quittant la bibliothèque, représente au milieu d'halos dorés un mystérieux personnage au visage sombre qui pose son index sur ses lèvres.

Intitulée Le Silence, cette oeuvre semble inviter le spectateur au calme et à la sérénité propres à une bibliothèque et à une abbaye, tout en gardant le secret sur le monde ambigu et indéfini des rêves.






Miss You

Nadine Le prince est née à Paris. Elle descend d’une longue lignée d’artistes exerçant depuis le seizième siècle. Son parent Jean-Baptiste Le Prince fut un artiste de renom au XVIIIe siècle. Il était l’ami de Diderot et peignait à la Cour Russe. À l’âge de dix-sept ans, elle présente pour la première fois ses œuvres. Elle n’était encore qu’adolescente quand elle a rejoint le courant des « Peintres réalistes».

L’observation de la nature et la traduction de la lumière témoignent de son admiration pour la peinture du XVIIIe siècle. Elle l’actualise par le choix et la composition du sujet.

« La peinture en trompe-l’œil est pour moi une sorte de défi pour donner une illusion en trois dimensions dans un climat qui m'est propre, une perspective du réel vers l'imaginaire.

[…] Je ne cherche pas à prouver mon habilité, ni à exécuter un tour de force, mais à créer une apparence, de l'illusion et de la magie qui me sont propre. Je tente d'avoir un concept spirituel et sensible en espérant que les ondes qui s'en dégagent pourront être captées. »



Actuellement et jusqu'à aujourd'hui, une exposition montre des œuvres sur toile peintes dans son atelier à Paris et en Inde, des gouaches, aquarelles pastel, encre, dessins de voyages. Des giclées seront exposées pour la première fois. Cela se tient à l'Espace Saint Martin à Paris.

Mais l'artiste parisienne partage son temps depuis quelques années entre l’Inde et la France. C’est dans le Rajasthan qu’elle a restauré une ancienne demeure sur la route des caravanes. C’est là aussi qu’elle a un atelier où elle peint sur l’Inde, puis elle retourne à Paris vers ses racines françaises. Le contraste de ces deux civilisations est pour elle une source d’émerveillement, et propice à une création de questionnement, de joie et de recherche permanente. sa peinture a une apparence de réalité en trois dimensions dans un climat qui lui est propre, sorte de défi pictural pour rejoindre et transcender le réel. Sa figuration est une interrogation, elle nécessite une seconde lecture c’est une proposition d’émotions ou de réflexions livrées à l’appréciation du spectateur. C’est le contenu de son imaginaire, restitué par sa démarche artistique. Derrière les formes, il y a ce qu’elles impliquent, non seulement dans l’esprit de celui qui les a crées, mais dans celui qui les regarde. L’oeuvre renvoie à autre chose de plus essentiel qu’à son apparence : la vie spirituelle. sa peinture figurative n’est pas un spectacle anecdotique, c’est un style. C’est à la fois le miroir de son être profond, et une fenêtre ouverte sur le monde extérieur. (source site officiel de l'artiste.

C'est là que cela devient intéressant. Mes amis :



Mes amis : bienvenus à Fathepur, la ville aux 100 havelis, toutes en ruines, sauf une, celle de Nadine Le Prince acquise en 1998. En effet, comme elle le raconte sur son site internet, les havelis l'ont tout de suite enthousiasmée et on la comprend ! Ces constructions sont magnifiques ! Au départ, Nadine pensait s'installer dans cette ville pour peindre l'Inde et puis, au fil des jours elle s'est rendu compte que le patrimoine là-bas était en grand danger. Elle a donc décidé de créer un centre culturel afin d'organiser des rencontres entre artistes indiens et étrangers.

Après des années de démarches, elle a pu obtenir la promesse d'un "Heritage Walk" de deux kilomètres car elle est convaincue que la restauration des monuments et l'assainissement de la ville permettrait aux Shekhawatis de revivre, s'épanouir, retrouver une activité culturelle, commerciale, économique aussi car un grand nombre de corps de métier sont concernés par ces travaux (plombier, maçon, peintre…), tout cela grâce à l'art.

Mais assez parlé, il est temps à présent de laisser la place aux images :







Très belle journée à tous et un grand merci à Kathy pour cette belle découverte ;-)

anti

Je vous avais déjà montré ici quelques unes des toiles de Lawrence Yang.

En voici quelques autres dénichées sur le site de l’artiste, pour le plaisir ;-)

Miss You